- En la piel de un personaje
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La profesión de actor consiste en ponerse en la piel de personajes de ficción e interpretarlos de manera creíble transmitiendo sus emociones (o a veces la ausencia de emoción). Así pues, interpretar un papel requiere una preparación antes del rodaje. Además de memorizar y aprender a decir los diálogos de la película, es necesario construir el personaje integrando sus rasgos de carácter, apropiándose de su comportamiento, sus reacciones, etc.
El siguiente fragmento ha sido extraído del making-of de "El resplandor" (Estados Unidos, 1980) de Stanley Kubrick. Descubrimos cómo el actor Jack Nicholson entra en su personaje antes de rodar una escena clave de la película.
Para entrar en el papel de ese hombre que se vuelve loco, Jack Nicholson se calienta física y mentalmente ¡con una intensidad impresionante! Para conseguirlo emplea el conocido método del Actors Studio, surgido en la década de 1950, que consiste en sacar las emociones a partir de sus propias vivencias.
- Una interpretación que evoluciona
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Desde los comienzos del cine hasta la actualidad, la interpretación no ha dejado de evolucionar. Un actor de cine mudo no se mueve como un actor de los años 40, mientras que una actriz de los años 60 no tiene la misma dicción que una estrella de la década de 2010. Al igual que la forma de hacer películas varía según la época y la evolución de los medios técnicos, la manera de interpretar cambia, se transforma.
¿Qué podemos decir de la manera de interpretar de la actriz Brigitte Helm en el siguiente fragmento, extraído de "Metrópolis" (Alemania, 1927) de Fritz Lang, una de las obras maestras de la época del cine mudo?
La interpretación de la actriz, sus gestos y su manera exorbitada de abrir los ojos son muy expresivos y exagerados. Esta forma de interpretar proviene del teatro, donde deben amplificarse los movimientos y expresiones para que los espectadores de la última fila puedan seguir bien la obra. Los actores de cine mudo han adoptado esta forma de interpretación para compensar la ausencia de diálogos y facilitar la comprensión de los espectadores. Además, la baja sensibilidad de la película exigía acentuar las expresiones de la cara con la ayuda de maquillajes muy marcados, lo que congelaba un poco su interpretación.
Los directores de cine mudo pronto se dieron cuenta de que el cine permitía expresar más cosas recurriendo al montaje y a las diferentes escalas de planos (primeros planos, planos medios, planos generales, etc.). Dicho de otra forma, recortando las escenas en varios planos el cine desarrolló una gran fuerza expresiva. Por eso la interpretación del actor es cada vez más sutil.
En el siguiente fragmento, extraído de "Cantando bajo la lluvia" (Estados Unidos, 1952) de Stanley Donen y Gene Kelly, los personajes interpretados por Gene Kelly y Debbie Reynolds discuten sobre la interpretación en el teatro y en el cine…
Mientras que la joven interpretada por Debbie Reynolds compara a los actores de cine con vulgares sombras, el personaje interpretado por Gene Kelly se mofa de los actores de teatro exagerando sus actuaciones, gestos y mímica. En efecto, la interpretación teatral es más expresiva que la interpretación cinematográfica. En el teatro se interpreta sobre un escenario y es necesario que todos los espectadores, incluyendo los de las últimas filas, puedan ver los gestos y expresiones de los comediantes.
En el cine es completamente diferente: una actriz no interpreta en absoluto de la misma manera si está siendo filmada en un primer plano o en un plano general. Así, debe adaptar su interpretación al montaje, a la puesta en escena. Por ejemplo, si va a rodarse un primer plano de su cara, trabajará sus expresiones faciales de manera sutil, como podemos observar en el siguiente fragmento, extraído de "Noche de estreno" (Estados Unidos, 1977) de John Cassavetes, donde Gena Rowlands interpreta el papel de una mujer atormentada por la muerte de una joven admiradora.
En cambio, un actor que sabe que está siendo filmado en un plano general y que por lo tanto será visto por el espectador a una cierta distancia, interpretará de un modo más demostrativo, amplificando los gestos y los movimientos de su cuerpo.
También hay otras diferencias entre la interpretación teatral y la cinematográfica. El actor de teatro interpreta la obra de una sola pieza. Si tiene un fallo de memoria, no puede corregirlo. El actor de cine puede volver a empezar si comete un error. Por contra, necesita una gran concentración porque la mayor parte del tiempo rueda las escenas de la película de forma desordenada, lo que implica que tiene que conocer bien el guion para que cada vez pueda interpretar "con precisión".
- Siempre en movimiento
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Además de evolucionar con el tiempo, la interpretación del actor de cine varía también de una corriente, movimiento o género cinematográfico a otro. Por ejemplo, a finales de la década de 1950, los realizadores de la Nouvelle Vague francesa adoptaron un enfoque particular realizando películas que recuerdan al espectador que el cine se fabrica, que es un artificio. Para lograrlo pidieron a sus actores que no se escondieran tras su personaje y que adoptaran una articulación particular, a riesgo de parecer menos naturales, como muestra este fragmento extraído de "Jules y Jim" (Francia, 1962) de François Truffaut que acentuó la interpretación de la actriz utilizando imágenes fijas.
En este fragmento, la actriz Jeanne Moreau habla de manera muy enfática, poco natural, recordando así al espectador que se encuentra ante una película, lo que se refuerza con imágenes congeladas.
La interpretación también varía en función de los géneros cinematográficos. No se interpreta de la misma manera en una comedia que en una película de terror. En el siguiente fragmento extraído de "Con faldas y a lo loco" (Estados Unidos, 1959) de Billy Wilder, ¿qué podemos decir de la manera de interpretar de los actores?
Podemos remarcar que los actores que interpretan a los dos músicos disfrazados de mujer en esta comedia con Marylin Monroe gesticulan mucho y que sus mímicas son bastante pronunciadas. Este es a menudo el caso en las comedias que tratan sobre el travestismo, donde los hombres se esfuerzan torpemente en hacerse pasar por mujeres. Y como en toda comedia, los actores deben sobre todo estar al servicio de los diálogos, dándoles valor.
Además de diferir según los géneros, la interpretación también evoluciona en función de las técnicas cinematográficas. Hoy en día, en la mayoría de los éxitos de taquilla repletos de efectos especiales digitales, los actores trabajan delante de fondos verdes o azules, donde más tarde se incrustarán las imágenes de síntesis de los decorados en los que tienen por cometido interpretar su papel. En este tipo de rodaje, los actores interpretan en el vacío, a veces incluso sin otros actores. Deben demostrar una gran capacidad de imaginación para entrar en sus personajes, como en este fragmento del "El señor de los anillos: La Comunidad del anillo" (Nueva Zelanda, 2001) de Peter Jackson, donde el actor Ian McKellen hizo su interpretación delante de un fondo verde y no frente a una criatura legendaria…
El actor Ian McKellen, que interpreta el papel del mago Gandalf reconoció que la idea de tener que enfrentarse a enemigos imaginarios ante un estúpido fondo verde le desestabilizaba mucho. "No he querido ser actor para esto", confió un día a un periodista que le preguntaba sobre la evolución de la profesión de actor.
- Interpretar… ¿pero cómo?
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La interpretación consiste en expresar emociones, como la alegría, la angustia, la esperanza, la inquietud, la admiración, etc. Hoy en día existen dos métodos principales de interpretación. El del Actors Studio consiste en hacer vivir intensamente al actor las emociones de su personaje.
El otro método se basa en una reproducción más mecánica de las actitudes y da preferencia al montaje de planos y a la puesta en escena para comunicar las emociones del personaje. Adepto de este método (que se deriva del "efecto K" o "efecto Kuleshov", un efecto de montaje teorizado por el realizador soviético Lev Kuleshov), Alfred Hitchcock pidió por ejemplo a sus actores que permanecieran neutros o esquemáticos en su interpretación, como se puede ver en el siguiente fragmento extraído de su película "Con la muerte en los talones" (Estados Unidos, 1959).
En esta escena el personaje de Roger Thornhill, interpretado por el actor americano Cary Grant, es acusado de muerte por error. Es más la puesta en escena que su muy contenida interpretación lo que hace sentir la tensión del personaje y su estado de confusión.
Basado en una técnica teatral inventada por el ruso Constantin Stanislavksi, el célebre método del Actors Studio ha sido adaptado a las limitaciones del cine y toda una generación de estrellas se han formado con este método, entre ellos James Dean, Steve McQueen, Marylin Monroe, Elisabeth Taylor, etc.
Este método parte del principio de que el actor no tiene necesidad de imitar. Siendo él mismo un ser humano es capaz de sacar de sí mismo las emociones de su personaje, como lo muestra el siguiente fragmento, extraído de "Toro salvaje" (Estados Unidos, 1980) de Martin Scorsese, donde el boxeador Jake LaMotta interpretado por Robert De Niro va a parar a la cárcel después de unos cuantos infortunios… ¿Qué podemos decir de su manera de interpretar a este héroe caído?
Robert De Niro brinda una actuación intensa, casi animal, para mostrar la cólera que bulle en Jake LaMotta. Lo hace recurriendo a sus propios recuerdos psíquicos y físicos, sin duda recordando una situación injusta que él mismo ha vivido.
El Actors Studio ha tenido tal impacto sobre la interpretación que los actores y actrices siempre recurren a técnicas similares. Ursula Meier utiliza una técnica parecida para guiar a sus actores: espera de ellos que se valgan de su memoria mental y corporal para interpretar su personaje.
Por esta razón es también por lo que a veces recurre a actores no profesionales. En efecto, cuando necesita un papel muy específico, como el de un policía o un médico, ¿qué mejor que un policía o un médico de verdad para adoptar los gestos, la postura y el vocabulario empleados en su profesión? Todavía falta que la persona elegida sea capaz de interpretar, es decir, de sacar de ella las emociones del personaje para reproducirlas delante de la cámara. Por eso, incluso cuando se trata de contratar a un actor no profesional, la etapa del casting es necesaria para comprobar su capacidad de interpretar.
En la película de ficción "Entre los muros" (Francia, 2008), el director Laurent Cantet cuenta el día a día de un profesor en una clase de un instituto de París. Para reproducir esta historia de la manera más realista posible, el director decidió rodar con jóvenes actores no profesionales. ¿Actúan de forma natural?
¡Sin duda alguna! Es impresionante la naturalidad de estos jóvenes actores no profesionales. Interpretan perfectamente su papel de alumnos de instituto. Son "verdaderos", casi ellos mismos. Se expresan con su propio lenguaje, sus propias palabras, expresiones y dudas, lo que aporta una gran impresión de realidad a la película. Por tanto, contratar a un actor no profesional permite insuflar verdad en la ficción.
Así pues, hay dos maneras principales de interpretar en el cine: o bien el director da preferencia al actor y le pide que recurra a sus emociones, como Ursula Meier, o bien le exige que sea sobrio, como Alfred Hitchcock, y es la puesta en escena la que hace casi todo.
- Dirigir a los actores
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Cuando el actor interpreta en una película, es el director quien le dirige, quien le da las indicaciones sobre la forma en que debe interpretar su personaje. Esto es lo que se conoce como dirección de actores. La manera de dirigir a un actor varía mucho en función del director. Algunos dan indicaciones muy precisas a los actores, otros les dejan un gran margen de improvisación.
En un rodaje, el actor debe apropiarse de un personaje del que el director suele tener una idea muy precisa. Según la manera de ser dirigido, su interpretación podrá ser muy diferente de una película a otra y, sobre todo, de un director a otro, como lo muestran de manera apasionante los siguientes fragmentos, todos interpretados por el actor americano Johnny Depp.
El primero, extraído de "¿A quién ama Gilbert Grape?" (Estados Unidos, 1993) de Lasse Hallström, muestra a Johnny Depp en el papel de un joven que debe cuidar a su hermano con discapacidad mental… ¿Qué podemos decir de su manera de interpretar?
Johnny Depp interpreta aquí a un personaje poco hablador, más bien introvertido, que actúa de manera sobria y contenida. Unos años más tarde cambia completamente de registro, como muestra este fragmento extraído de "Charlie y la fábrica de chocolate" (Estados Unidos, 2005) de Tim Burton.
Efectivamente, para adentrarse en el universo gótico y extravagante del director Tim Burton, Johnny Depp adopta para esta película una interpretación muy demostrativa, exagerando las mímicas y los gestos que sin duda le ha indicado Tim Burton, conocido por ser un director de actores muy exigente…
En "Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto" (Estados Unidos, 2006) de Gore Verbinsky, el mismo actor interpreta el papel del capitán Jack Sparrow, un pirata completamente excéntrico, como muestra el siguiente fragmento…
Inspirándose en los papeles extravagantes que le había confiado Tim Burton, Johnny Depp crea él mismo su personaje. Debido a su estatus de estrella se lo puede permitir y no se deja dirigir por el director, a quien de todos modos le queda mucho por hacer en el plató de esta superproducción tan costosa. Resultado: ¡interpreta de forma muy exagerada e histriónica!
Estos diferentes fragmentos muestran que Depp construyó con el paso del tiempo un personaje extravagante que le es cercano y en el que los directores y las películas de hoy en día tienen tendencia a encasillarlo. Como consecuencia, apenas renueva su interpretación. Afortunadamente para él, los directores le ofrecen a veces papeles más arriesgados, denominados papeles atípicos, como en "Estrictamente criminal" (Estados Unidos, 2015) de Scott Cooper, donde interpreta a un peligroso gángster…
En este fragmento, Johnny Depp interpreta de manera mucho menos llamativa, lo que podría hacer pensar que el cineasta lo ha dirigido en buena medida. Así, el actor trabajó su voz para encarnar a un personaje de astuto criminal, vicioso y muy vulgar. Hablamos de papel atípico porque no corresponde en absoluto a los que Depp interpreta normalmente. Es importante, por tanto, que los actores y actrices sean dirigidos por los cineastas, ya que si no es así tienen tendencia a limitarse a repetir lo que ya saben hacer…
Esto no le sucederá jamás a los actores y actrices que dirige en sus películas la directora Ursula Meier porque ella se implica enormemente en la dirección de actores. Sus indicaciones son muy precisas y tienen tanto que ver con las emociones, los gestos y la forma de andar, como con la posición en el espacio. Meier otorga también mucha importancia al cuerpo de los actores, a la manera en que lo habitan, le dan vida. También sabe hasta dónde llegar con sus exigencias, siempre respetando ciertos límites.
Por el contrario, algunos directores tienen por costumbre dirigir muy poco a sus actores y les dan más libertad para la improvisación. Esta manera de actuar puede crear un clima de confianza que fomenta la creatividad del actor y le anima a hacer propuestas al cineasta.
Este es el caso del director francés Olivier Assayas que no hace ningún ensayo antes de rodar. Cuando los actores llegan al plató les da unas vagas indicaciones sobre la escena que van a rodar y les deja lanzarse en total libertad frente a la cámara, como en este fragmento extraído de "Viaje a Sils Maria" (Francia, 2014), donde encontramos a dos grandes actrices: Juliette Binoche y Kristen Stewart.
Esta técnica semiimprovisada permite obtener resultados muy espontáneos. Por supuesto, el director rueda varias veces la misma escena reorientando cada vez a sus actores hacia el resultado que desea.
La dirección de actores, ya sea directiva o muy libre, es pues uno de los aspectos de la profesión de cineasta que es necesario dominar. Esta verdadera colaboración artística se define por la relación que el cineasta establece con cada actor, si es posible basada en una escucha mutua, con el objetivo de crear una obra común.
Por tanto, la dirección de actores es en gran parte responsable del alma de una película: se trata de dar para cada plano, en cada escena de la película, las indicaciones necesarias a cada actor para la buena interpretación de su personaje en una situación requerida por el escenario y el director.
- Sobre Ursula Meier
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Directora y guionista de origen franco-suizo, Ursula Meier estudia cine en Bruselas. Comienza realizando varios cortometrajes, cuyo éxito en los festivales la animan a continuar con su carrera. En 2002 rueda su primer largometraje, "Pas les flics, pas les noirs, par les blancs", un documental que describe la sorprendente trayectoria de un agente de policía de Ginebra, y "Des épaules solides", la historia de una adolescente que quiere convertirse en una atleta de alto nivel.
En 2008, Ursula Meier dirige "Home, ¿dulce hogar?", su primer largometraje de ficción para el cine, una cruda descripción del desequilibrio de una familia que vive al borde de una autopista en construcción. En 2012 rueda "L'Enfant d'en haut", una fábula irrefutable sobre la desigualdad y la falta de amor, con la que gana el Oso de Plata en el Festival de Berlín.
Estas dos películas lanzaron la carrera de Kacey Mottet Klein y demuestran el talento de la realizadora para la dirección de actores. En 2016, Ursula Meier recibió el Premio del cine suizo al Mejor cortometraje por la pequeña lección de cine "Kacey Mottet Klein, naissance d'un acteur".
